NEWS｜SBI Art Auction

NEWS - 2025.07.03

The Trendsetter Behind the Japan–Korea Art Fair —PLAS Art Fair Director’s Perspective on Today’s Market—

“The Trendsetter Behind the Japan–Korea Art Fair
—PLAS Art Fair Director’s Perspective on Today’s Market—”

In July 2025, the inaugural Study x PLAS: Asia Art Fair—an international art fair dedicated exclusively to three-dimensional artworks—will take place at the Grand Cube Osaka (Osaka International Convention Center). This marks the first joint presentation in Japan by Seoul-based PLAS (“Plastic Arts Seoul”) and the Osaka‐based platform Study, timed to commemorate the 60th anniversary of normalized diplomatic relations between Japan and South Korea. More than 40 galleries and over 100 artists from South Korea will participate in the fair. Through large-scale installations, interactive workshops and seminars, visitors will have the opportunity to fully immerse themselves in the unique appeal of three-dimensional art. We spoke with Mr. Jun-won Shin, Director of PLAS, about the fair’s origins, his aspiration for expanding into Japan, and his vision for PLAS going forward.

"한일 아트페어의 트렌드를 이끄는 사람
— PLAS 아트페어 디렉터가 말하는 미술시장의 오늘—"

2025년 7월, 오사카 국제 회의장에서 조형 예술에 특화된 국제 아트페어 ‘Study x PLAS : Asia Art Fair’가 개최됩니다. 서울에서 출발한 「조형아트서울(PLAS)」과 오사카를 거점으로 하는 「Study」가 손을 잡고, 한일 국교 정상화 60주년이라는 뜻깊은 해에 일본에서 처음으로 공동 개최하는 이번 아트페어에는, 40곳 이상의 한국의 갤러리와 100명이 넘는 작가들이 참여합니다. 대형 설치 작품과 체험형 워크숍, 세미나 등 다양한 프로그램을 통해, 관람객들은 조형 예술의 새로운 매력을 마음껏 체험할 수 있을 것입니다.
이번 인터뷰에서는 조형아트서울 대표 신준원 씨를 만나, 지금까지의 조형아트서울의 여정과 일본 진출에 담긴 각오, 그리고 향후 비전에 대해 이야기를 들어보았습니다.

1. Background and the Founding of PLAS
▷You have played a leading role in the Korean art market and contributed greatly to its growth. Could you tell us about your background and explain what first drew you into the art world?

My introduction to the art world began with my elder brother, who is hearing-impaired, and my mother’s establishment of Chungjark Gallery in Gangnam in 1987. My mother believed that, by enrolling my brother in a mainstream school, my brother would acquire spoken language while also connecting with the world through the language of art. He went on to specialize in sculpture and earned a doctoral degree. To support his practice, my mother opened the gallery, and I accompanied her to help install and dismantle exhibitions on weekends. Witnessing my brother’s dedication firsthand, I absorbed the behind-the-scenes effort that underpins every show.
I studied business administration as an undergraduate and economics in graduate school, then entered the corporate world. Around 2009, when my mother retired, I formally took over the gallery’s operations. Supporting my brother’s artistic endeavors every day, I came to realize profoundly that art is not merely an object of appreciation, but it is a lifetime of labor and dedication.

▷What inspired you to establish PLAS?
The turning point was in 2012 when I visited the “Unlimited” section of Art Basel in Switzerland. The overwhelming power and presence of large-scale installations—where viewers physically intersected with space and sculptures shocked me, and I wondered, “Why isn’t there anything like this in Korea?” That question became the genesis of PLAS.
Although I initially estimated it would take a decade to stage exhibitions of comparable scale in Korea, we began by evaluating every potential venue in Seoul —considering access, loading logistics and installation requirements—and ultimately selected COEX. In 2016, PLAS officially launched. Although many doubted whether a three-dimensional art fair could thrive in Korea’s painting-focused market, we pressed forward. Though we lost most of our initial investment in the first year, we incorporated immersive installations, hands-on exhibits and children’s workshops and more, demonstrating to visitors the richness and potential of three-dimensional art.

▷What guiding principles and objectives continue to drive PLAS’s growth?
One core principle is that every participating gallery must exhibit at least one three-dimensional artist. This unique rule reinforces PLAS’s identity and distinguishes us from other fairs. In Korea, sculptural works often face barriers, such as transportation, installation constraints and high costs. These restrictions limit the exhibition opportunities. By mandating a minimum quota of three-dimensional works, we create an ecosystem that sustains these artists’ practices.
Moreover, we have exchanged booths with Art Vancouver in Canada and One Art Taipei in Taiwan as our international collaborations. We are also preparing a partnership with an art fair in Los Angeles for 2026. These initiatives help Korean sculptors enter overseas markets and establish a continuous cycle of global exposure for three-dimensional art.

1. 신준원 대표의 경력 및 조형아트서울에 대하여
▷신준원 대표님께서는 그동안 한국 미술시장을 중심으로 활발히 활동하시며, 한국 미술계의 발전에 기여해오신 것으로 알고 있습니다. 지금까지 쌓아오신 커리어 전반과, 미술 업계에 들어서시게 된 계기에 대해 말씀 부탁드립니다.
미술 업계에 발을 들이게 된 계기는, 청각 장애를 가진 형의 존재와 어머니가 1987년에 강남에 개관한 ‘청작화랑’이었습니다.
어머니는 형을 일반 학교에 보내 구어를 익히게 하는 동시에, 미술이라는 언어로 세상과 연결되기를 바랐고, 형은 이후 조각을 전공해 박사 학위를 취득했습니다.
어머니는 형의 창작 활동을 지원하기 위해 화랑을 세우셨고, 주말이 되면 저는 어머니를 따라 전시 설치나 철거를 도왔습니다. 형이 겪는 고생을 곁에서 지켜보며, 전시회나 예술의 이면을 자연스럽게 배워갔습니다.
대학에서는 경영학을, 대학원에서는 경제학을 전공했고, 졸업 후에는 일반 기업에 근무했지만, 어머니의 은퇴를 계기로 2009년경부터 본격적으로 화랑 운영을 이어받게 되었습니다.
형의 작업을 곁에서 지켜보는 나날 속에서, ‘예술은 감상의 대상이 아니라 인생을 걸고 임하는 노동’이라는 것을 깨닫게 되었고, 예술을 실질적으로 뒷받침하는 구조와 기획의 중요성을 현장에서 체감하며, 그에 대한 감각을 쌓아왔습니다.

▷조형아트서울은 어떤 경위로 설립하시게 되었나요?
조형아트서울을 구상하게 된 계기는 2012년, 스위스 아트바젤(Art Basel)의 ‘Unlimited’ 섹션을 현지에서 접한 경험이었습니다. 대형 설치 작품들이 관람자와 공간을 압도하는 모습을 보며, ‘왜 한국에는 이런 장이 존재하지 않을까’라는 생각이 강하게 들었습니다.
처음에는 이와 같은 규모의 전시를 실현하려면 10년은 걸릴 거라고 생각했습니다. 가장 먼저 전시장 선정부터 시작했죠. 서울 전역의 전시 공간을 비교·검토하면서 교통 접근성, 반입 동선, 설치 조건 등을 고려했고, 그 결과 COEX를 개최 장소로 정하고 2016년에 조형아트서울을 정식으로 시작하게 되었습니다.
초기에는 회화 중심의 한국 미술 시장에서 입체 작품을 전면에 내세운 아트페어가 과연 성립될 수 있을지 회의적인 시각도 많았지만, 그래도 첫걸음을 내디뎠습니다. 첫 해에는 수익보다는 과감한 투자와 실험에 초점을 맞췄지만, 체험형 전시, 대형 설치 작품, 어린이 대상 워크숍 등 제가 해보고 싶었던 기획들을 모두 담았고, 입체 예술이 지닌 풍요로움과 가능성을 관람객들에게 보여줄 수 있었다고 생각합니다.

▷현재도 성장을 이어가고 있는 조형아트서울의 이념과 목표에 대해 들려주실 수 있을까요?
조형아트서울이 중요하게 여기는 운영 원칙 중 하나는, 모든 참가 갤러리가 반드시 한 명 이상의 입체 작가 작품을 전시하도록 하는 것입니다. 이는 입체 예술을 중심에 둔 조형아트서울의 정체성을 분명히 보여주는 독자적인 원칙으로, 다른 아트페어와의 차별화를 꾀하는 데 중요한 기준이 되고 있습니다.
한국 미술 시장은 여전히 회화 작품에 편중되는 경향이 있으며, 조형 작품은 운송과 설치의 제약, 높은 비용 등이 걸림돌이 되어 전시 기회가 제한되는 경우가 많습니다. 이러한 구조 속에서 조형 작가들은 자신의 작품을 발표할 무대를 확보하기 어려워지고, 창작 활동의 지속 자체가 어려워지는 문제에 직면해 있습니다.
조형아트서울은 이러한 과제에 대응하기 위해, 조형 작품이 시장에서 지속적으로 노출되고 유통될 수 있는 생태계 구축이 필요하다고 판단했습니다. 일정 비율 이상 조형 작품 전시를 의무화함으로써, 조형 작가들의 지속적인 창작 활동을 실질적으로 지원하고 있습니다.
또한 국내에 머무르지 않고, 캐나다의 Art Vancouver, 대만의 One Art Taipei와 부스 교류를 진행했으며, 2026년에는 미국 로스앤젤레스의 아트페어와의 협업도 추진 중입니다. 이러한 국제 협력은 입체 작가들이 조형아트서울을 발판으로 해외 시장에 진출하고, 글로벌 아트 신에서 안정적으로 소개되는 순환 구조를 만드는 데 있어 매우 중요한 시도라고 생각하고 있습니다.

2. Significance of Hosting an Art Fair in Japan on the 60th Anniversary
▷Please describe Study x PLAS: Asia Art Fair and how this Japan edition came to fruition.
Study x PLAS: Asia Art Fair is co-hosted by Seoul’s PLAS and the emerging Osaka-based platform Study. It represents a new endeavor to expand three-dimensional art exchanges between Japan and Korea, building on PLAS’s history of overseas engagement. Through our booth exchange with One Art Taipei, we first encountered Japanese galleries. Our interest in the Japanese art market was further clarified and solidified through continued dialogue, and we participated in Study’s Osaka fair in December 2023. At the fair, we met the director of Study and later invited Study to PLAS in 2024. When funding from Korea’s Ministry of Culture, Sports and Tourism’s overseas support program was confirmed, the project took shape. Coinciding with Expo 2025 Osaka Kansai, the Osaka Kansai International Art Festival and the 60th anniversary of diplomatic normalization, Osaka emerged as the ideal venue. We expect that this fair will not only draw significant attention but also serve as an optimal stage for deepening cultural and artistic exchange between Japan and Korea.

▷What considerations did you emphasize in preparing a fair that brings together art professionals from both countries on this milestone anniversary?
We were determined to ensure that the fair would transcend a commemorative event and aimed for sustainable exchange. We are inviting a diverse range of stakeholders —government officials, media, collectors and art professionals—and creating multiple networking opportunities for Japanese and Korean art professionals to engage directly. By opening our doors to the public as well, we hope this fair will serve as a new platform for cultural diplomacy.

▷How did you structure the fair to enhance relationships among artists and collectors from both countries?
Our foremost priority was to preset Korean contemporary art from multiple perspectives. Approximately 80 percent of the exhibited works will be by Korean artists, and many will attend in person. We have scheduled numerous occasions for visitors to hear directly from artists about their creative backgrounds and intentions, encouraging a deeper dialogue beyond mere viewing.
Acknowledging the popularity of Korean drama and culture in Japan, we have also arranged a special exhibition of paintings by actress HA Ji-won, who will give an on-site talk—combining popular appeal with artistic depth. On the evening of July 20, we will host a reception for artists, collectors and cultural figures to build lasting professional networks and deepen mutual understanding.

2. 한일 국교 정상화 60주년을 맞이하며, 일본에서 아트페어를 개최하는 의의
▷「Study x PLAS : Asia Art Fair」에 대해, 그리고 이번 일본 개최가 실현된 배경에 대해 말씀 부탁드립니다.
Study x PLAS : Asia Art Fair는 서울의 조형아트서울과 오사카를 거점으로 활동하는 신진 아트 플랫폼 ‘Study’가 공동 주최하는 국제 아트페어입니다. 한일 양국의 입체 예술을 중심으로 한 교류를 확장하기 위한 새로운 시도로, 이 프로젝트는 그동안 조형아트서울이 지속적으로 추진해온 해외 교류 활동의 연장선상에 있습니다.
조형아트서울은 그동안 대만의 One Art Taipei와의 부스 교류를 통해 해외 네트워크를 넓혀왔고, 그 과정에서 일본 갤러리들과도 접점을 갖게 되었습니다. 일본 미술 시장에 대한 관심은 지속적인 대화를 통해 점차 구체화되었으며, 2023년 12월에는 오사카에서 열린 Study 아트페어에 참가하게 되었습니다. 그 자리에서 Study 대표인 스즈키 씨와 인연을 맺었고, 이듬해인 2024년에는 조형아트서울 전시에 Study 측을 초청해 한일 간 예술 교류에 대한 논의를 더욱 심화시킬 수 있었습니다.
이러한 상호 교류가 거듭되면서, 한일 양국의 입체 예술 교류를 위한 공동 플랫폼을 함께 만들어보자는 논의로 이어졌습니다. 여기에 한국 문화체육관광부 주최의 국내 아트페어 해외 진출 지원 사업으로부터 예산 지원이 확정되면서, 본 프로젝트가 구체적인 형태를 갖추게 되었습니다.
2025년에는 오사카·간사이 엑스포와 오사카 간사이 국제예술제가 개최되며, 동시에 한일 국교 정상화 60주년이라는 역사적인 시점이 맞물리는 절호의 타이밍이었습니다. 이러한 흐름 속에서 이번 오사카 개최가 성사되었고, 본 아트페어가 단순한 전시에 그치지 않고, 한일 간 문화·예술 교류를 심화시키는 최적의 무대가 될 것으로 기대하고 있습니다.

▷한일 국교 정상화 60주년을 맞이하여, 양국 미술 관계자들이 한자리에 모이는 이번 행사는 양국 모두에게 큰 의미가 있다고 생각합니다. 이번 아트페어를 준비하시면서 특히 의식하신 부분이 있다면 말씀 부탁드립니다.
60주년이라는 역사적인 전환점에 개최되는 이번 아트페어가 단순한 기념행사로 그치지 않고, 지속 가능한 교류로 이어지는 계기가 되기를 바랐습니다. 이를 위해 정부 관계자, 언론인, 컬렉터, 아트 관계자 등 다양한 이해관계자들을 폭넓게 초청했고, 일본 미술 관계자들과 한국에서 방문한 인사들이 직접 의견을 나눌 수 있는 네트워킹 자리를 여러 형태로 마련했습니다.
양국의 업계 관계자들이 한자리에 모일 수 있는 기회는 흔치 않기 때문에, 전문 관계자뿐 아니라 일반 관람객에게도 문을 열어, 이번 아트페어가 문화 외교의 역할까지 수행할 수 있는 새로운 플랫폼으로 자리매김하길 바랐습니다”.

▷양국의 아티스트 간 관계 형성이나 컬렉터 간 교류 확대를 위한 구성에 있어, 구체적으로 어떤 점을 중점적으로 고려하셨는지요.
가장 중점을 둔 것은 한국 현대미술을 다각도로 소개하는 것이었습니다. 우선 전체 출품작의 약 80%를 한국 작가들의 작품으로 구성했고, 다수의 작가들이 직접 현장을 찾아 관람객과 소통할 예정입니다. 관람객이 작가로부터 직접 작품의 제작 배경이나 의도를 들을 수 있는 자리를 다수 마련함으로써, 단순한 감상을 넘어선 깊이 있는 대화를 유도하고자 했습니다.
또한, 일본 내에서의 한국 드라마와 문화에 대한 높은 관심을 반영해, 배우 하지원 씨의 회화 특별전도 함께 기획했습니다. 하지원 씨 본인이 전시장에 직접 방문해 토크를 진행할 예정이며, 대중성과 예술성을 동시에 갖춘 전시로 한국 미술에 대한 관심을 확산시키는 계기가 되기를 기대하고 있습니다.
아울러 7월 20일 저녁에는 아티스트, 컬렉터, 문화 관계자들이 한자리에 모이는 리셉션을 열어, 지속 가능한 네트워크 형성과 양국 간 문화적 이해의 심화로 이어질 수 있도록 준비하고 있습니다.

3. Professional Perspective on the Korean Art Market
South Korea has been one of our company’s most strategically significant markets. In the last year, we also held our first overseas preview event in Seoul. In this context, we would like to hear your expert observations and your extensive experience monitoring the Korean art market.

▷What are the defining characteristics of the Korean market, and how do they affect artists and galleries?
Korea’s market is notable for its rapid and mass-driven growth. Until a few years ago, art was viewed as something for the wealthy or specialists. However, as overseas travel has become commonplace, more people now visit museums abroad and gradually develop an appreciation for art. Like visiting the Louvre in Paris, these cultural experiences have become part of everyday life here, lowering psychological barriers and redirecting interest back to the domestic market.
The rise of a new demand to “hang art at home” has led galleries to curate portfolios by price tier from under ¥100,000 to over ¥10 million, resulting in a more specialized and segmented market. This structural shift strengthens the market’s foundation and enhances its long-term stability. While Europe’s art market evolved over centuries of cultural development, Korea’s market has reached similar maturity in just a few decades following war and reconstruction—a remarkable achievement.

▷How do Korean collectors differ from those in other countries, and what trends have you observed?
In my observation, Korean collectors are highly trend sensitive. Since the COVID-19 pandemic, a wave of collectors in their 20s and 30s have emerged, viewing art not only for enjoyment but also as an investment—a phenomenon known as “Art-Tech.” This concept, combining art and investment, has gained rapid transaction among the public in Korea. A catalyst was the 2021 donation of former Samsung Group Chairman LEE Kun-hee’s collection to the nation, which helped frame art as an asset with economic value. Works by renowned artists often sell out as soon as exhibitions open; I vividly recall a collector lining up from 7 a.m. at the 2022 PLAS show to secure a piece.

▷Have you seen any notable shifts in price ranges or artist popularity in recent years? If so, what explains these changes?
Young collectors now exert significant influence and drive rapid market movements. Established masters of monochrome painting, such as YUN Hyung-Keun and PARK Seo-Bo—are prized as reliable assets, while younger artists using social media to engage audiences see swift growth and are regarded as high-potential “growth stocks.” Digital communication is critical both domestically and internationally for expanding markets. For example, artist Bibi Cho—participating in Study x PLAS: Asia Art Fair—has secured an exclusive gallery partnership in Paris and exhibited at Art Taipei and Asia Now, steadily building her global reputation. This cycle of domestic investment fueling global success, which then reinforces strengthening the local market, is key to sustaining the art ecosystem.

▷Do you think Frieze’s entry into Korea has had a significant impact and reshaped the market? What changes have you witnessed?
Frieze’s Seoul edition was more than the arrival of a global fair; it was a turning point that elevated Korea’s art-market status. Previously, KIAF led the market, but most participating galleries were from Asia, limiting exposure to European and North American audiences. Since co-hosting with Frieze, Seoul has welcomed leading international galleries and Western collectors and integrated Korea into global art circulation.
Frieze’s operational standards—rigorous curatorial planning, VIP programming and refined presentation—prompted domestic fairs and galleries to adopt global best practices. We have since seen a surge in visits by European and North American collectors, creating new opportunities and challenges and positioning Korea firmly within the global art hub.

▷The atmosphere of art weeks differs markedly between Korea and Japan. What cultural or institutional factors underlie this?
There is a clear temperature difference between two countries’ art weeks. In Korea, art fairs and art weeks function as major cultural events, transforming the entire city into a festival. In Japan, by contrast, a quiet, refined viewing experience focused solely on the artwork is preferred. This reflects broader cultural-consumption tendencies rather than more operational style.
For example, Art Basel Miami Beach hosts 20–30 fairs in December, pairing daytime exhibitions with evening networking events and parties—integrating art into daily life. Korea’s art weeks are evolving similarly, offering cultural experiences that blend exhibitions with lifestyle activities. At PLAS, visitors increasingly spend full days exploring on-site bookstores, cinemas and restaurants, reflecting rapid urbanization, high content consumption and social-media dissemination. KIAF’s Art Night programs, where galleries open late with food and drink, highlight how art build a staple community event, lowering access barriers and broadening participation beyond traditional audiences.

3. 한국 미술시장에 대한 전문가의 시각
지난해 당사는 최초의 해외 프리뷰를 한국 서울에서 개최하며, 한국이 우리에게 얼마나 중요한 지역인지를 다시금 실감했습니다. 이번에는 오랜 시간 한국 미술시장을 지켜봐 온 전문가의 시각에서 그 이야기를 들어보고자 합니다.

▷한국 미술 시장의 특징과, 작가 및 갤러리에 미치는 영향에 대해 말씀해 주세요.
한국 미술 시장의 가장 큰 특징은 빠르게 성장하고 있으며, 대중 주도형이라는 점입니다. 불과 몇 년 전까지만 해도 미술은 부유층이나 전문가들의 전유물처럼 여겨졌습니다. 그러나 최근 해외여행이 보편화되면서 많은 사람들이 여행 중 미술관을 방문하게 되었고, 그런 경험을 통해 예술과 자연스럽게 접점을 넓혀가기 시작했습니다. 예를 들어 프랑스를 여행하면 루브르 미술관에 들르는 것처럼, 문화·예술적 체험이 일상화되면서 예술에 대한 심리적 장벽이 낮아졌고, 관심은 점차 국내 아트 마켓으로 향하게 되었습니다.
“집에 그림을 걸고 싶다”는 새로운 대중적 니즈가 형성되고 확산되면서, 작가와 갤러리의 활동에도 큰 영향을 미치고 있습니다. 갤러리들은 10만 원 이하, 100만 원대, 1천만 원 이상 등 컬렉터의 구매력에 맞춰 작가를 선정하고, 가격대별로 전략적인 포트폴리오를 구성하고 있습니다. 이러한 움직임은 시장의 전문화, 세분화를 촉진하는 방향으로 뚜렷하게 나타나고 있습니다.
이와 같은 구조적 변화는 결과적으로 시장 기반을 강화하고, 장기적인 안정성과 지속 가능성을 높이는 데 기여하고 있다고 생각합니다. 유럽에서는 수백 년에 걸친 문화적 토양 위에서 현재의 아트 마켓 구조가 형성되었지만, 한국은 전쟁과 재건이라는 단절의 근현대사를 거치면서도 불과 수십 년 만에 아트 마켓을 이만큼 성장시켰다는 점에서 주목할 만한 움직임이라고 느끼고 있습니다.

▷컬렉터 역시 국가에 따라 차이가 있을 것으로 보입니다. 한국 컬렉터들의 특징이나 구매 스타일의 경향, 인상 깊었던 에피소드가 있다면 들려주세요.
개인적인 관찰을 바탕으로 한 의견이긴 하지만, 한국의 컬렉터들은 트렌드에 대한 감도가 매우 높으며, 특히 코로나 이후에는 20~30대의 젊은 컬렉터들이 두드러지게 부상했습니다.
이 시기와 맞물려, 미술품을 단순한 감상의 대상이 아닌 자산으로 인식하고, 미래 가치 상승을 기대하며 수집하는 ‘아트테크(Art-Tech)’라는 개념도 확산되기 시작했습니다. 아트테크는 아트와 테크놀로지 혹은 투자(Investment)를 결합한 조어로, 한국에서는 비교적 이른 시기에 일반 대중에게도 퍼진 새로운 소비 형태입니다. 2021년, 故 이건희 삼성그룹 회장이 대규모 미술품 컬렉션을 국가에 기증했다는 보도도 하나의 계기가 되었고, 이를 통해 미술품이 경제적 가치를 지닌 투자 자산으로 인식되는 분위기가 한층 강화되었습니다.
실제로 인기 작가의 경우, 전시 시작과 동시에 작품이 모두 판매되는 사례가 잦습니다. 특히 기억에 남는 장면으로는, 2022년 조형아트서울 전시에서 아침 7시부터 줄을 서서 작품을 구매하신 한 컬렉터의 열정을 아직도 선명하게 기억하고 있습니다.

▷최근 한국 미술 시장에서 가격대의 변화나 인기 작가의 경향 중 특히 두드러진 점이 있다면 알려주세요. 최근 급격히 평가가 높아진 작가가 있다면, 그 배경에 대해서도 어떻게 보고 계신지 궁금합니다.
최근 한국 미술 시장에서는 20~30대 젊은 컬렉터들의 영향력이 눈에 띄게 커지고 있습니다. 이들이 주목하는 작가는 짧은 기간 안에 시장에서 빠르게 평가를 끌어올리고 있으며, 단순한 감상 목적뿐 아니라 투자 관점에서 작품을 선택하는 경향도 강하게 나타납니다. 그 결과, 시장에서는 안정적이고 높은 수요와 가치를 유지하는 아티스트 층이 형성되어 가고 있습니다.
예를 들어, 윤형근, 박서보와 같은 단색화 거장 작가들은 장기적으로 안정적인 평가를 받아 신뢰 자산으로 지지받고 있고, 한편으로는 SNS를 적극적으로 활용해 시장의 반응을 신속하게 이끌어내는 젊은 작가들은 유통 속도도 빠르고 장래성이 있는 ‘성장주’로 주목받고 있습니다.
SNS를 활용한 프로모션과 관람객과의 직접적인 소통은 국내외 시장 확장의 결정적인 열쇠가 되고 있으며, 이러한 디지털 기반의 커뮤니케이션은 해외 갤러리와의 접점을 만들어내는 데에도 큰 역할을 하고 있습니다. 이런 방식의 해외 진출은 작가가 국내 시장 내에서도 안정적인 위치를 다질 수 있는 중요한 요인으로 작용하고 있습니다.
예를 들어, 이번 Study x PLAS : Asia Art Fair에 참여하는 비비조씨는 한국내에서 높은 인지도와 평가를 받고 있으며, 현재는 파리의 갤러리와 전속 계약을 맺고 활동 중입니다. 타이완의 Art Taipei와 파리의 Asia Now 같은 국제 아트페어를 통해 꾸준히 국제적 평가를 높여가고 있습니다.
이러한 흐름은 한국 내 컬렉터들의 지속적인 투자와 관심이 유망한 작가를 국제 무대로 끌어올리는 원동력이 되고 있으며, 해외에서의 평가는 다시 국내 시장에서의 신뢰와 안정성으로 이어지는 선순환을 만들어내고 있다고 생각합니다.

▷국제 아트페어 Frieze의 진출은 한국 미술 시장에 큰 영향을 미쳤다고 생각하시나요? 실제로 느끼신 변화나 인상 깊은 사례가 있다면 들려주세요.
Frieze의 한국 미술 시장 진출은 단순히 글로벌 브랜드의 아트페어가 새롭게 들어온 것에 그치지 않고, 한국 미술 시장의 위상을 전환시킨 중요한 계기였다고 생각합니다.
그 이전까지는 KIAF가 한국을 대표하는 아트페어였지만, 참여 갤러리의 대부분이 아시아권에 집중되어 있어, 한국 현대미술을 유럽이나 북미 시장에 본격적으로 소개하는 데는 일정한 한계가 있었습니다. 하지만 Frieze Seoul이 KIAF와 공동 개최되기 시작하면서, 국제적인 주요 갤러리들이 대거 참여하게 되었고, 유럽과 북미의 컬렉터들이 서울을 방문하는 계기가 되면서, 한국이 국제 미술 유통의 한 축으로 인식되기 시작했습니다.
특히 인상 깊었던 점은, Frieze의 운영 방식을 계기로 국내 갤러리와 아트페어들이 글로벌 스탠다드를 빠르게 도입하기 시작했다는 점입니다. 전시 기획의 완성도, VIP 프로그램의 구성, 작품 소개 방식 등 모든 면에서 글로벌 마켓을 의식한 전문성과 체계성이 반영되었고, 이는 한국 미술 시장의 성장을 강하게 견인했습니다.
또한 컬렉터 층에서도 뚜렷한 변화가 나타나, Frieze Seoul 개최 이후 기존의 국내 컬렉터뿐 아니라 유럽과 북미의 주요 컬렉터들이 한국을 방문하는 빈도가 눈에 띄게 증가했습니다.
이러한 일련의 흐름은 작가, 갤러리, 문화기관 모두에게 새로운 기회와 도전을 가져다주었으며, 한국 미술 시장이 이제 더 이상 로컬 마켓에 머무르지 않고, 글로벌 마켓의 일부로서 정체성을 갖추어가는 과정에 있다고 느끼고 있습니다.

▷아트위크를 둘러싼 분위기나 열기는 한국과 일본에서 꽤 다른 인상을 받습니다. 한국의 아트위크가 형성된 문화적 혹은 제도적 배경이 있다면 말씀해 주세요.
한국과 일본의 아트위크에는 분명한 온도 차가 존재합니다. 한국에서는 아트페어나 아트위크가 문화 이벤트로 소비되는 경향이 강해, 도시 전체가 하나의 대형 페스티벌처럼 활기를 띱니다. 반면 일본에서는 조용하고 정제된 감상 경험을 선호하는 경향이 있고, 작품 자체에 집중하는 미술 문화가 뿌리내려져 있습니다. 이는 단순히 운영 방식의 차이라기보다는, 양국의 문화 소비 방식 자체에서 비롯된 구조적인 차이라고 생각합니다.
예를 들어, 아트 바젤 마이애미 비치(Art Basel Miami Beach)의 경우, 12월 한 달간 20~30개의 아트페어가 동시에 개최되고, 낮에는 작품 감상, 밤에는 네트워킹 행사나 파티가 열리는 등 예술이 일상생활과 융합된 축제처럼 기능합니다.
한국의 아트위크도 이와 비슷한 방향으로 진화하고 있으며, 단순한 미술 감상에서 나아가 라이프스타일과 결합된 문화적 체험으로 확장되고 있다는 점이 특징적입니다.
조형아트서울에서도 단순히 전시를 감상하는 데 그치지 않고, 관람객이 전시장을 둘러보는 것뿐 아니라 건물 내외에 있는 서점, 영화관, 레스토랑 등을 함께 경험하며 하루를 보내는 도시형 라이프스타일이 자연스럽게 정착되어 가고 있습니다. 이는 빠른 도시화, 높은 콘텐츠 소비 욕구, SNS를 통한 정보 확산력이 맞물린 결과라고 볼 수 있습니다.
또한 KIAF 아트위크 기간 중 열리는 ‘아트 나이트 프로그램’은 일반 관람객을 대상으로 갤러리를 야간에 개방해, 식음료를 곁들인 자유로운 교류가 이루어지는 커뮤니티형 이벤트로 자리잡고 있습니다.
이러한 시도들은 예술 그 자체보다는 예술을 중심으로 한 종합적인 문화 체험을 제공함으로써, 단기적인 관객 유치에 그치지 않고 소비층의 저변을 넓히고 접근 장벽을 낮추는 효과를 가져오고 있다고 느끼고 있습니다.

4. Reflections on Organizing Study x PLAS: Asia Art Fair
▷What challenges did you face and are there any standout moments?
International fairs always bring unexpected difficulties; here, differences in legal sysyems and customs procedures between Korea and Japan presented the biggest challenges. Divergent interpretations of tariffs, insurance and contract clauses almost derailed progress. Understanding Japan’s customs requirements took time, but through close collaboration between both teams, we ultimately resolved every issue smoothly.
The most memorable moment occurred during contract review. When Korean staff were unfamiliar with Japan’s anti-organized-crime clause and questioned its necessity. After a detailed explanation of the legal and social context, they grasped its importance. In retrospect, this cultural exchange not only overcame a hurdle but also deepened mutual trust, making the entire preparation process both enjoyable and meaningful.

▷Aside from Japanese galleries participating, what sets Study x PLAS: Asia Art Fair apart from other art fairs?
Our fair’s most distinctive feature is the unprecedented opportunity in Japan to experience Korean contemporary art on such a scale: over 40 Korean galleries and more than 100 Korean artists in a single venue. The diverse program enables visitors not only to view works but also to engage directly with artists, gaining profound insights into each piece’s background and intent, and to compare contemporary art trends in both countries three-dimensionally.
At Umeda Sky Building’s 10th floor, we will host the Japan-Korea Exchange Special Exhibition alongside HA Ji-won’s works; on the 12th floor, and other seminars and artist talks will offer deeper engagement. This integrated approach—combining viewing, learning and networking—positions the fair as a true platform for cultural exchange, distinct from traditional fairs.

4. Study x PLAS：Asia Art Fair에 대하여
▷이번 개최를 준비하시면서 어려우셨던 점이나 인상 깊었던 에피소드가 있다면 들려주세요.
해외에서 아트페어를 개최할 때는 예상치 못한 난관이 따르기 마련이지만, 이번에는 한국과 일본 간의 법 제도와 통관 절차의 차이가 가장 큰 과제였습니다. 특히 관세, 보험, 계약서 조항에 대한 해석 차이로 인해 일시적으로 진행이 원활하지 않았던 순간도 있었습니다.
운송 면에서는 일본 측의 통관 절차나 법적 요건이 한국과 달랐기 때문에, 그 의미를 정확히 이해하는 데 다소 시간이 걸렸습니다. 하지만 양국의 실무 팀이 긴밀히 협의하면서, 결국 큰 문제 없이 원만하게 조율할 수 있었습니다.
특히 기억에 남는 일로는 계약서 검토 과정 중 발생한 한 에피소드가 있었습니다. 일본에서는 일반적으로 포함되는 반사회적 세력 배제 조항이 한국 측에게는 다소 생소하게 느껴졌고, 처음에는 왜 그런 조항이 필요한지에 대한 당혹스러움이 있었습니다. 이후 일본의 법적·사회적 배경에 대해 자세한 설명을 듣고 그 의도를 이해할 수 있었으며, 지금 돌이켜보면 이는 문화적 차이에서 비롯된 매우 뜻깊은 경험이었다고 생각합니다.
서로의 차이를 존중하며 원활하게 소통할 수 있었고, 그 과정을 통해 양측 간의 신뢰도 한층 깊어졌습니다. 조형아트서울과 Study는 각각 한국과 일본에서 새로운 흐름을 만들어가고 있는 플랫폼으로, 공통된 문제의식과 협업에 대한 의지가 매우 잘 맞았다고 느낍니다. 덕분에 전체 준비 과정이 오히려 즐겁고 의미 있는 시간으로 남았습니다.

▷일본 갤러리의 참여는 물론이지만, 기존의 아트페어와 비교했을 때 Study x PLAS : Asia Art Fair만의 차별점은 무엇인가요?
이번 페어의 가장 큰 차별화 포인트는, 일본 국내에서는 유례를 찾기 어려울 정도로 한국 현대미술을 집중적으로 경험할 수 있는 소중한 기회라는 점입니다. 40곳이 넘는 한국 갤러리와 100명 이상의 한국 작가들이 한자리에 모이는 규모, 그리고 다채로운 프로그램 구성은, 단순히 전시를 ‘관람’하는 것을 넘어, 작가와 직접 대화하며 작품의 배경이나 제작 의도를 깊이 이해할 수 있는 기회를 관람객에게 제공합니다. 또한, 한국과 일본의 현대미술을 입체적으로 비교할 수 있는 계기도 마련됩니다.
전시장인 우메다 스카이빌딩 10층에서는 한일 교류 특별전과 함께 배우 하지원 씨의 회화 특별전이 열리고, 12층에서는 세미나와 아티스트 토크가 예정되어 있어, 양국의 현대미술 흐름을 보다 깊이 있게 체감할 수 있도록 구성했습니다. 감상과 배움, 교류를 동시에 경험할 수 있는 이 구성은 양국의 문화 교류 플랫폼으로서의 역할을 수행함과 동시에, 기존 아트페어와는 차별화된 포지션을 만들어내고 있습니다.

▷개최가 가까워지고 있습니다. 이번 페어에서 관람객들이 주목했으면 하는 포인트나 개인적으로 기대하고 계신 점이 있다면 말씀 부탁드립니다. 또한 신 대표님께서 특히 관심을 갖고 계신 작가가 있다면 소개해 주세요.
Study x PLAS : Asia Art Fair는 7월 20일부터 오사카 국제컨벤션센터에서 개최되며, 관람객들이 보다 입체적이고 다층적으로 현대미술을 체험할 수 있도록 전시장을 층별로 기능에 따라 나누어 구성했습니다.
전시장은 크게 세 구역으로 나뉘어 있습니다. 3층은 주요 갤러리 부스가 위치한 메인 전시장, 10층은 기획 전시 공간, 12층은 세미나 및 아티스트 토크가 열리는 지적 교류 공간으로 구성되어 있습니다. 특히 3층에서 소개되는 작가들의 개성과 매체의 다양성은 꼭 주목해 보셨으면 하는 부분입니다.
백종은 작가는 유리라는 재료를 활용해 일상의 사물과 감정을 새로운 시각으로 해석하며, 투명성과 강도라는 상반된 특성을 통해 관람자에게 감각적인 여정을 제공하는 작업을 선보이고 있습니다.
이기라 작가는 가는 와이어를 한 올 한 올 손으로 엮어 입체적인 풍경을 만들어내며, 회화와 조각의 경계를 넘나드는 매우 독창적인 조형 언어로 높은 평가를 받고 있습니다.
다양한 소재와 표현 방식을 직접 보고 느끼며, 단순히 작품을 감상하는 데 그치지 않고 작가들과 직접 대화를 나눔으로써 그들의 세계관을 깊이 이해할 수 있는, 살아 있는 예술 체험의 장이 될 것이라 생각합니다. 전시 전체를 하나의 흐름으로 관람하면서, 한국과 일본의 현대미술이 지닌 공통점과 차이점 또한 자연스럽게 체감하실 수 있을 것입니다.

5. Fostering Cross-Border Collaboration
▷To invigorate Asia’s art markets beyond Korea and Japan, what forms of cooperation and challenges must we address together?
To energize the region’s art markets, we must move beyond one-off events to establish regular co-curation initiatives, joint booth management and partnerships with art-education programs. It is It is equally vital to sustain dialogue that builds and disseminates a shared understanding of art’s social and cultural value—examining how art functions within broader societal contexts, not solely as a market commodity.
Achieving these goals requires setting concrete targets and instituting an annual cycle of review and improvement; without this, even the most outstanding events risk remaining transient. A steadfast commitment to pursuing collective achievements together is essential for true collaboration. The participation of Taiwanese galleries in this fair has already laid the foundation for a network linking Korea, Japan and Taiwan. Through such substantive exchanges, I anticipate that Asia’s art markets will develop stronger ties and forge a robust, enduring network.

▷In partnering with international fairs, how do you ensure that art’s social value remains at the forefront?
International fair partnerships do more than secure exhibition opportunities; they establish sustainable pathways for Korean artists to advance overseas. Such endeavors are deeply intertwined with the fundamental curator’s question: how can Korean art attain social and cultural stature on the global stage? I hope that a Korean artist will achieve the global resonance of Fernando BOTERO or David GERSTEIN someday. Just as BTS symbolizes Korean culture in music worldwide, I look forward to witnessing Korean artists who move and inspire global audiences.
The emergence of such figures will inspire future generations of artists, elevate art’s societal standing and expand the base of cultural engagement—ultimately enhancing the credibility and scale of Korea’s art market. Our continued collaborations aim to promote Korean artists’ overseas expansion and broadcast the social and symbolic value of Korean art globally.

▷Having realized your debut in Japan, will PLAS continue to pursue overseas expansion and partnerships with other countries?
Absolutely. Entering the Japanese market represents a major milestone for PLAS, and we will continue to deepen existing partnerships while expanding our network.
We have already forged substantive collaborative relationships with One Art Taipei in Taiwan, Art Vancouver in Canada and Study in Japan through booth exchanges, co-curation and artist exchange programs. In September, we will participate in the inaugural art fair in India—our first step toward the South Asian market. Looking ahead to 2026, we plan to pursue collaboration in Los Angeles, further strengthening ties with the North American market.
Through these efforts, PLAS aims to build and disseminate a global ecosystem centered on Korean three-dimensional art, serving as a platform for artists’ international breakthroughs and assuming a central role in the East Asian—and ultimately global—art community.

5. 국경을 넘는 협업에 대하여
▷앞으로 한국과 일본에 국한되지 않고, 아시아 미술 시장 전체의 활성화를 위해 어떤 연대나 협력이 필요하다고 생각하시나요? 또한 함께 고민해야 할 과제로는 어떤 것들이 있다고 보십니까?
아시아 미술 시장 전체의 활성화를 위해서는 단발적인 이벤트를 넘어서, 정기적인 공동 큐레이션, 공동 부스 운영, 그리고 아트 교육 프로그램과의 연계가 핵심이라고 생각합니다. 또한 예술의 사회적·문화적 가치에 대해 공동의 인식을 형성하고 발신하기 위한 지속적인 대화가 중요합니다. 예술을 단순히 시장 가치만으로 보지 않고, 사회와의 연결 맥락 속에서 어떻게 기능할 수 있는지를 함께 고민하는 과정이 지역 간 차이를 넘은 진정한 협력의 토대가 될 수 있다고 믿습니다.
이를 실현하기 위해서는 구체적인 목표를 설정하고, 매년 검토와 개선을 반복하는 사이클을 구축하는 것이 필수적입니다. 아무리 훌륭한 이벤트일지라도, 이런 구조 없이 진행된다면 협업은 일회성에 그칠 수밖에 없습니다. 서로가 지속적으로 무엇을 함께 이뤄갈 것인지 고민하고 실천해 나가는 자세와 노력이야말로 진정한 연대를 만들어낸다고 생각합니다.
이번 페어에는 대만 갤러리도 참여하게 되어, 한국과 일본, 대만을 잇는 협력의 기반이 마련되었다고 생각합니다. 앞으로도 이러한 실질적인 교류를 통해 아시아 아트 마켓이 더욱 긴밀히 연결되고, 견고한 네트워크가 형성되어 가기를 기대하고 있습니다.

▷국제적인 아트페어와 파트너십을 맺고 계신 것으로 알고 있습니다. 미술의 사회적 가치에 대해 평소에 중요하게 생각하시는 점이 있다면 말씀 부탁드립니다.
국제 아트페어와의 파트너십은 단순히 출품 기회를 확보하는 데 그치지 않고, 한국 작가들이 지속적으로 해외에 진출할 수 있는 경로를 구축하는 데 중요한 역할을 하고 있다고 생각합니다. 이러한 노력은 시장의 확대나 판매 기회 확보를 넘어서, 한국 미술이 세계 속에서 어떻게 사회적·문화적 위상을 정립해 나갈 수 있을지를 고민하는, 기획자로서의 본질적인 물음과도 밀접하게 연결되어 있습니다.
저는 언젠가 한국에서도 페르난도 보테로나 데이비드 게르슈타인처럼, 세계적인 대중성과 상징성을 함께 지닌 작가가 등장하길 바라고 있습니다. BTS가 세계 음악 시장에서 한국 문화를 상징하는 존재로 자리 잡은 것처럼, 미술계에서도 세계적인 감동과 울림을 전할 수 있는 한국 작가의 등장을 기대하고 있습니다.
그러한 예술가의 등장은 예술을 꿈꾸는 아이들에게 희망을 줄 뿐 아니라, 미술이라는 분야에 대한 사회적 관심과 존중을 높이고, 나아가 문화 소비의 기반을 넓히는 데도 큰 역할을 할 것입니다. 결국 이는 한국 미술 시장 전체의 신뢰성과 규모 확대에도 중요한 기여를 하게 될 것이라 믿고 있습니다.
저희가 국제 아트페어와의 연계를 지속하고, 다양한 교류를 적극적으로 추진하는 배경에는, 한국 작가들의 해외 진출을 돕고, 한국 미술이 지닌 사회적 가치와 상징성을 전 세계로 확산시키고자 하는 의지가 자리하고 있습니다.

▷이번 Study x PLAS : Asia Art Fair를 통해 일본 진출을 실현하셨습니다. 향후 조형아트서울로서의 해외 진출이나 타국과의 협업도 지속적으로 추진하실 계획이신가요?
네. 이번 일본 시장 진출은 조형아트서울에 있어 큰 전환점이 되었으며, 앞으로도 기존 파트너십을 심화시키는 동시에 네트워크를 확대해 나갈 계획입니다.
현재는 대만의 One Art Taipei, 캐나다의 Art Vancouver, 일본의 Study와 함께 부스 교환, 공동 기획, 아티스트 교류 프로그램 등을 통해 실질적인 협력 관계를 구축해 나가고 있습니다.
더불어 올해 9월에는 인도에서 처음 개최되는 아트페어 ART ASIA DELHI에 출품을 예정하고 있어, 남아시아 시장과의 연계를 본격화하는 첫걸음이 될 것으로 보고 있습니다. 또한 2026년에는 로스앤젤레스에서의 협업도 시야에 두고 있으며, 북미 시장과의 연계도 전략적으로 강화해 나갈 예정입니다.
이처럼 조형아트서울은 한국의 조형예술을 중심으로 한 글로벌 미술 생태계를 구축하고, 이를 세계로 확장하는 플랫폼으로 성장하고자 합니다. 향후에도 각국의 아트페어와의 지속적인 파트너십을 통해 한국 작가들의 해외 진출을 지원하고, 동아시아를 넘어선 글로벌 아트 생태계에서 중심적인 역할을 담당해 나가고자 합니다.

6. About PLAS
▷Finally, is there any service, website or upcoming news you’d like to share?
PLAS celebrates its 10th anniversary in 2025. Our May edition at COEX in Seoul was met with great success, and in July we look forward to exploring further horizons in Osaka. We remain committed to elevating the international standing of Korean sculptural arts.

Website: https://artspoon.io/web/plas　
Instagram: @plasartshow

6. 귀사의 소개에 대하여
▷본 기사와 함께 소개하고 싶은 귀사의 서비스나 웹사이트 링크, 혹은 곧 발표 예정인 뉴스가 있다면 알려주시기 바랍니다.
조형아트서울은 2025년에 창립 10주년을 맞이하며, 올해 5월에는 서울 COEX에서 성황리에 개최되었습니다. 7월에는 일본 오사카에서의 개최를 통해 아시아 미술 시장과의 더욱 넓은 연계를 모색하고 있습니다. 앞으로도 한국의 조형 예술이 국제적으로 더 높은 위상을 갖출 수 있도록 지속적인 활동을 이어갈 예정입니다.

웹사이트: https://artspoon.io/web/plas　
Instagram: @plasartshow

PRESS - 2025.02.27

Explore More Beyond ART FAIR TOKYO: The 8 Must-Visit Art Spots around Yurakucho & Tokyo Station

Recognized as Japan’s largest and one of Asia’s longest-running art fairs, ART FAIR TOKYO gathers a diverse array of galleries from Japan and abroad, showcasing works that range from historical masterpieces to contemporary innovations. In this article, we spotlight eight must-visit art spots around Yurakucho and Tokyo Station, with a special focus on the Tokyo International Forum — home to “ART FAIR TOKYO19”.

Located inside the Marunouchi Station Building, Tokyo Station Gallery is currently hosting a solo exhibition celebrating the 120th anniversary of Ayako Miyawaki, “Miyawaki Ayako Retrospective: I saw, I cut, I applied”. Known for her fabric and paper-based creations inspired by everyday objects, the artist's work is admired for its intricate observation, detailed collage techniques, and unique artistic vision. Just a short walk from Tokyo Station’s Yaesu exit, Artizon Museum will present the exhibition “Sophie Taeuber-Arp and Jean Arp” from Saturday, March 1, 2025. This exhibition highlights the creative synergy between the husband-and-wife duo, both pioneers in avant-garde art, featuring works that explore their individual artistic styles and collaborations.

As you walk from Tokyo Station toward Yurakucho, you will come across the Marunouchi Street Gallery, an open-air exhibition showcasing contemporary sculptures by internationally renowned artists. Seamlessly integrated into the Marunouchi Naka-dori streetscape, these artworks create a dynamic urban art experience. A short detour from Marunouchi Naka-dori leads to Mitsubishi Ichigokan Museum, which is currently hosting the exhibition “Beardsley, a Singular Prodigy.” Aubrey Beardsley (1872–1898), an icon of 19th-century British illustration, is celebrated for his striking black-and-white compositions and provocative themes. Moving from Marunouchi to Yurakucho, you will find CADAN YURAKUCHO, a gallery space run by the Contemporary Art Dealers Association of Nippon. The venue is currently hosting three exhibitions: “Seishu Niihira” by ARTCOURT Gallery, Kanna Takase Solo Exhibition, “Read Your Diary” by imura art gallery, and Genta Ishizuka, “Primary Surface” by ARTCOURT Gallery.

Heading toward Ginza, you will find Ginza Sony Park, which reopened in January 2025 following the reconstruction of the iconic Sony Building. Currently, it is hosting “Sony Park Exhibition 2025” (Part 1), a collaborative showcase featuring six artists integrating music, technology, and art into immersive experiences.

In early March, “ART FAIR TOKYO19” —Japan’s largest art festival—will take place at the Tokyo International Forum. Bringing together leading galleries from Japan and abroad, the fair showcases a diverse range of works, from classical masterpieces to contemporary highlights. Running concurrently with this prestigious event is “the 70th SBI Art Auction | Bloom Now,” offering a curated selection of contemporary and modern masterpieces.

Isn’t this the perfect occasion to immerse yourself in the dynamic world of art by exploring both gallery exhibitions and the thrilling world of auctions?

Table of Contents
1. Tokyo Station Gallery, “Miyawaki Ayako Retrospective: I saw, I cut, I applied”
2. Artizon Museum, “Sophie Taeuber-Arp and Jean Arp”
3. MITSUBISHI ESTATE CO., LTD.×Chokoku-no-mori Foundation, “Marunouchi Street Gallery”
4. Mitsubishi Ichigokan Museum, Tokyo, “Beardsley, a Singular Prodigy”
5. Contemporary Art Dealers Association Nippon, “CADAN YURAKUCHO CURRENT”
　・“Seishu Niihira” by ARTCOURT Gallery
　・Kanna Takase Solo Exhibition, “Read Your Diary” by imura art gallery
　・Genta Ishizuka, “Primary Surface” by ARTCOURT Gallery
6. Ginza Sony Park, “Sony Park Exhibition 2025”
7. ART FAIR TOKYO19
8. SBI Art Auction, “The 70th SBI Art Auction | Bloom Now”

1. Tokyo Station Gallery, “Miyawaki Ayako Retrospective: I saw, I cut, I applied,” Saturday, January 25, 2025 – Sunday, March 16, 2025

Left: Exhibition Flyer
Middle: Onion Halved, 1965, Toyota Municipal Museum of Art
Right: Vines in a Glass Jug, 1986, private collection

Located within the Marunouchi Station building, Tokyo Station Gallery is currently hosting a solo exhibition of Ayako Miyawaki (1905-1995), an artist renowned for her fabric and paper-based works inspired by everyday objects, from Saturday, January 25, 2025 to Sunday, March 16, 2025. “Miyawaki Ayako Retrospective: I saw, I cut, I applied” features over 150 pieces categorized under multiple themes; “Observation and Realism,” “Cross-Sections and Multiple Perspectives,” “Diversity,” “Utilizing Material,” “Utilizing Patterns,” “Playing with Patterns,” “Effective Use of Lines,” and “Orientation toward Design.”

This exhibition traces how she transformed everyday motifs into art, offering insight into her creative process. Notably, her works capturing cross-sections of fish and vegetables, as well as those incorporating patterns from familiar fabrics, demonstrate a simple yet richly imaginative approach. Miyawaki’s art seamlessly blends traditional Japanese craftsmanship with a modern sensibility, incorporating elements that continue to inspire contemporary design and craft.

2. Artizon Museum, “Sophie Taeuber-Arp and Jean Arp,” Saturday, March 1, 2025 – Sunday, June 1, 2025

Left: Sophie Taeuber-Arp and Jean Arp in front of the marionettes for the puppets show "King Stag"1918, Zurich Photo: Ernst Linck Stifung Arp e.V., Berlin/ Rolandswerth
Middle: Sophie Taeuber-Arp, Aubette 200 (design for the ceiling of the Aubette Bar in the Aubette, Strasbourg, France), 1927, Stiftung Arp e. V., Berlin/Rolandswerth
Right: Jean ARP, Shell-Hat, 1965, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen / Photo: Mick Vincenz

Located within walking distance from Tokyo Station’s Yaesu exit, the Artizon Museum will host the exhibition “Sophie Taeuber-Arp and Jean Arp” from Saturday, March 1 to Sunday, June 1, 2025. This exhibition highlights the creative legacy of the two artists, a pioneering avant-garde artist couple of the early 20th century.

Featuring 88 works, the exhibition showcases both their individual pieces and collaborative creations. Taeuber-Arp was active in multiple disciplines, including painting, textile design, and architecture, and was known for her exploration of geometric abstraction. Jean Arp, on the other hand, incorporated chance into his artistic process, creating collages, reliefs, and sculptures while drawing on his background as a poet.

Throughout their careers, they played key roles in various artistic movements, such as Dada, Constructivism, and Surrealism, continually influencing one another’s work. This exhibition, centered on works from the Fondation Arp and other collections, examines the artistic possibilities born from their partnership, the role of women artists in this era, and the hierarchies of artistic genres that shaped the early 20th-century art scene.

3. MITSUBISHI ESTATE CO., LTD.×Chokoku-no-mori Foundation, “Marunouchi Street Gallery”

As of February 26, 2025
Left: Kohei Nawa, Trans-Double Yana (Mirror), 2012
Middle: Jim Dine, The Lookout Tower, 1990
Right: Igor Mitoraj, Sleeping Head, 1983

As you make your way from Tokyo Station to Yurakucho, you will be welcomed by the Marunouchi Street Gallery, an open-air exhibition along Marunouchi Naka-dori, the main street of the Marunouchi area. Showcasing works by internationally acclaimed contemporary artists, this exhibition is designed to be enjoyed by visitors of all ages.

Established in 1972 by MITSUBISHI ESTATE and Chokoku-no-mori Art Foundation, this project was launched with the vision of creating an art-rich urban environment. 19 sculptures by a diverse range of artists, from masters of modern sculpture to emerging talents, are displayed along the street. With artworks periodically rotated, this gallery seamlessly integrates sculptures into the surrounding cityscape, transforming Marunouchi into an open-air museum where art and architecture coexist harmoniously.

4. Mitsubishi Ichigokan Museum, Tokyo, “Beardsley, a Singular Prodigy,” Saturday, February 15, 2025 – Sunday, May 11, 2025

Left: Exhibition Flyer Visual
Middle-left: Aubrey Beardsley, ‘How King Arthur saw the Questing Beast’ from Le Morte d’Arthur, 1893, Victoria and Albert Museum. Photo: Victoria and Albert Museum, London
Middle-right: Aubrey Beardsley, ‘The Toilette of Salomé II’, plate XII for Salomé, 1907, Victoria and Albert Museum. Photo: Victoria and Albert Museum, London
Right: Aubrey Beardsley, ‘Le Dèbris[sic] d’un Poète’, 1892, Victoria and Albert Museum. Photo: Victoria and Albert Museum, London

Located just off Marunouchi Naka-dori, Mitsubishi Ichigokan Museum is hosting the exhibition “Beardsley, a Singular Prodigy,” from Saturday, February 15, 2025 to Sunday, May 11, 2025.

Aubrey Beardsley (1872–1898), a radical genius of late 19th-century Britain, made an indelible mark on the art world before his untimely death at just 25. This large-scale retrospective, co-organized with the Victoria and Albert Museum (V&A), traces the dramatic yet brief career of this pioneering artist. Beardsley is celebrated for his intricate black-and-white illustrations, highly decorative compositions, and provocative themes, making him one of the most prominent figures of the Aesthetic Movement.

The exhibition brings together approximately 220 works, including his breakthrough illustrations for Le Morte d'Arthur (1893–94) by Sir Thomas Malory, the sensuous and decadent imagery of Salomé (1894), Oscar Wilde’s controversial play, and his late masterpiece Mademoiselle de Maupin (1898) by Théophile Gautier. A highlight of the exhibition is the collection of 150 pieces specially loaned from the V&A, offering a rare opportunity to explore Beardsley’s artistic evolution from his early works to his final creations.

Beyond their decorative brilliance, Beardsley’s works are infused with biting satire, rebellious spirit, and dark humor. This exhibition also delves into his relationship with Oscar Wilde and his role within the fin de siècle art movement, providing a deeper understanding of both his artistry and his remarkable life. Don't miss this chance to immerse yourself in Beardsley’s world—one that is both strikingly beautiful and provocatively bold.

5. Contemporary Art Dealers Association Nippon, “CADAN YURAKUCHO CURRENT,” Tuesday, February 18, 2025 – Sunday, March 9, 2025
As you move from Marunouchi to Yurakucho, you will find CADAN YURAKUCHO, a gallery space operated by the Contemporary Art Dealers Association of Nippon (CADAN), showcasing works by emerging artists. Currently, three exhibitions are on view from Tuesday, February 18, 2025 to Sunday, March 9, 2025

・“Seishu Niihira” by ARTCOURT Gallery

Reflection #29, 2024, oil on canvas, alkyd resin, 162x162cm / Photo: Takeru Koroda

CADAN YURAKUCHO’s Space S is hosting Seishu Shimpei by ARTCOURT Gallery. Niihira explores the concepts of time and optical phenomena, examining how space and time can be expressed in painting. The exhibition features new works from his signature Reflection series, in which AI-generated portrait data is layered under different conditions to visualize themes of duality and opposing concepts.

Inspired by the Buddhist philosophy of "NIFUNI (non-duality)", these works emphasize coexistence and integration of contrasting elements within a singular form. Like reflections on glass, overlapping images highlight the complexity of contemporary visual culture and the new realities shaped by AI technology. The interplay between digital and analog, figuration and abstraction, reality and illusion creates a distinctive and thought-provoking artistic experience.

・Kanna Takase Solo Exhibition, “Read Your Diary” by imura art gallery

A horse in the room, 2024, Oil on canvas, 194 × 324 cm

In Space M, Kanna Takase’s solo exhibition “Read Your Diary” by imura art gallery is currently on view. Takase is an artist known for her unique style of translating everyday experiences into words, which she then transforms into paintings.

“Read Your Diary” presents a selection of her large-scale works, including a featured piece from last year’s Kyoto Prefecture Emerging Artists Exhibition, along with new creations. The artist’s works express emotions and memories that cannot be fully captured by words alone, using animals, plants, and familiar objects as visual metaphors. Her whimsical yet profound approach allows viewers to connect with her art on a personal level, evoking the sensation of reading someone else’s diary. With its inviting colors and rich storytelling, this exhibition offers a glimpse into Takase’s distinctive artistic world.

・Genta Ishizuka, “Primary Surface” by ARTCOURT Gallery

Untitled (Faded gold), 2025, Gold leaf, lacquer, hemp cloth, 2-way tricot, polyethylene foam | Dry lacquer technique, 25 x 19.6 x 18.8 cm. Photo: Takeru Kotoda

Space L features Genta Ishizuka’s “Primary Surface” by ARTCOURT Gallery, an exhibition exploring the unique sculptural possibilities of lacquer. Ishizuka’s works harness the natural luster and textural depth of lacquer to create pieces that engage the viewer’s tactile and sensory perception.

The exhibition centers around his Taxis series, in which lacquer is given shape and motion, allowing the material’s inherent fluidity to emerge dynamically. By layering lacquer, Ishizuka creates depth and incorporates light reflections, evoking a sense of vitality within his forms. The works explore the transformation of lacquer from raw tree sap into structured forms, examining the interplay of chance and intention in shaping sculptural beauty. Blending traditional lacquer techniques with a contemporary approach, Ishizuka’s works push beyond the boundaries of craft, offering new possibilities for artistic expression.

This exhibition provides a rare opportunity to rediscover the beauty and depth of lacquer through a fresh and innovative perspective.

6. Ginza Sony Park, “Sony Park Exhibition 2025,” Sunday, January 26, 2025 – Sunday, June 22, 2025

©Ginza Sony Park Project

As you head from Yurakucho toward Ginza, you will come across Ginza Sony Park, which recently reopened this January after the redevelopment of the long-standing Sony Building. The park is currently hosting “Sony Park Exhibition 2025” (Part 1), a unique program featuring collaborations with six artists.

As the first phase of this innovative exhibition series, "Sony Park Exhibition 2025” is an immersive event that fuses music, technology, and art. The exhibition is inspired by Sony’s six business areas—Music, Semiconductors, Finance, Games, Entertainment Technology, and Cinema—and features top artists such as Vaundy, YOASOBI, Hitsujibungaku, BABYMONSTER, Creepy Nuts, and Kensuke Ushio. Each artist presents an original program expressing their music and creative vision.

In the first half, Part 1 (Sunday, January 26, 2025 – Sunday, March 30, 2025), three artists present interactive installations:
・B2F: Vaundy’s "Music comes after a long journey" invites visitors on an immersive experience through layered soundscapes composed of 200 curated tracks.
・3F: YOASOBI’s "Semiconductors create new realities" features an interactive installation where each visitor can create their own "Heartbeat Object", visualizing their pulse in real time and enjoy the exhibition along with it.
・4F: Hitsujibungaku’s “Finance details life” features installation merges music, water, and light to create an ethereal space where melodies and words flow together.

The second half, Part 2 (Sunday, April 20, 2025 – Sunday, June 22, 2025), will introduce new programs by BABYMONSTER, Creepy Nuts, and Kensuke Ushio, focusing on gaming, technology, and film.

This exhibition goes beyond traditional displays, offering an interactive experience where visitors can engage and participate. Don't miss this unique fusion of music, art, and technology, only at Ginza Sony Park!

7. “ART FAIR TOKYO19,” Friday, March 7, 2025 – Sunday, March 9, 2025

Left: “ART FAIR TOKYO19” Main Visual
Upper and Lower Middle, and Left: Exhibition Installation View in 2024

One of Japan’s largest and most renowned art fairs, ART FAIR TOKYO, is set to take place at Tokyo International Forum from Friday, March 7, 2025 to Sunday, March 9, 2025. Now in its 19th edition, the fair continues to expand, welcoming 139 galleries from Japan and abroad, including 13 new exhibitors. This year’s key visual features a work by Daido Moriyama, one of Japan’s most celebrated photographers, symbolizing the contemporary dynamism of the country’s art scene.

As a leading platform driving the growth of Japan’s art market, ART FAIR TOKYO brings together a diverse selection of artworks spanning antiquities, modern and contemporary art, and crafts. It serves as a global hub for collectors, gallerists, and art enthusiasts, offering opportunities not only for transactions but also for networking and cultural exchange. Additionally, this year’s fair will feature larger exhibition booths and an expanded lineup of diverse programs, promising a more immersive and engaging experience than ever before.

Various ticket options, including early-bird discounts and same-day passes, are available, ensuring flexible pricing for visitors. As Japan’s art market continues to gain international attention, this event provides a rare opportunity to experience the latest trends and developments firsthand. Don’t miss this chance to witness the evolution of Japan’s art scene at ART FAIR TOKYO19!

8. SBI Art Auction, “The 70th SBI Art Auction | Bloom Now,” Thursday, March 6, 2025 – Saturday, March 8, 2025

Courtesy of SBI Art Auction

Marking its milestone 70th edition, SBI Art Auction will hold a preview and auction from Thursday, March 6, 2025 to Saturday, March 8, 2025, at Tokyo International Forum. Under the new title Bloom Now, this special auction brings together a remarkable selection of masterpieces from both renowned international and Japanese artists as well as emerging contemporary talents, celebrating the vibrancy of the art scene today.

The auction lineup features an exceptional range of works, including:
・The Little Thinker by Yoshitomo Nara
・Pumpkin by Yayoi Kusama
・With Winds by Lee U-fan

In addition, photography collectors will find outstanding highlights such as:
・Em Arena II, Amsterdam by Andreas Gursky, renowned for its grand-scale composition
・Nastassja Kinski and the Serpent by Richard Avedon, an iconic portrait in photography history

The auction also includes an exciting selection of contemporary works, including Izumi Kato’s dynamic sculptures, Ayako Rokkaku’s vibrant girl portraits, Hiroshi Senju’s majestic Waterfall, and Jean-Michel Basquiat’s expressive Cabeza, from Portfolio II.

The preview and auction will be held concurrently with ART FAIR TOKYO and offer exclusive special event. Registered SBI Art Auction members and ART FAIR TOKYO ticket holders will receive a complimentary auction catalog, coffee, and an original tote bag—making it an event that both seasoned collectors and first-time attendees can enjoy.